"Las apariencias suelen ser engañosas también para el mundo sonoro"
Radicado en París desde hace casi cuatro décadas y a
seis años de su última visita a la
Argentina , el guitarrista y compositor Tomás Gubitsch habló
con La Nación , antes de presentarse con un trío
sorprendente, donde el virtuosismo y la inteligencia conviven con la calidad
compositiva, el sábado 26 en la
Sala “Argentina” del C.C. Kirchner.
–¿Qué pasó en
su música entre su última visita a Buenos Aires y ésta?
–Mi última visita fue en 2009, y no es nada sencillo
resumir seis años de actividad. Fuera de los conciertos habituales, de las
composiciones para diversos grupos de cámara u orquestas sinfónicas y de mis
músicas para películas, creo que podría resaltar dos cosas que significaron
cierto cambio en mi manera de abordar mis diversas búsquedas (u
obsesiones) musicales. La primera es la creación de un tríptico, "El Tango
de Ulises", cuyas dos primeras partes fueron creadas en el Théâtre de la Ville , en el 2012 y el 2014
respectivamente. Es una suerte de reflexión sobre mis cuarenta años de exilio –situación
que, aclaro, vivo más como un privilegio que como un peso– que
me impulsó no solamente escribir varias nuevas piezas, sino también a
re-visitar buena parte de mis composiciones anteriores, pero transformándolas
considerablemente. El epílogo será el 13 de mayo próximo, siempre en la
misma sala parisina, y, espero, me permita zarpar hacia otros rumbos. De
hecho, reuniré dos de mis tríos actuales (uno, con Juanjo Mosalini y Eric
Chalan y otro, con Sébastien Surel y Vincent Segal) y algunos invitados más...
Creo que es hora de unificar mi trabajo, quizás porque, al fin y al cabo, todo
lo que viví en Buenos Aires hasta 1977 y todo lo que viví en París desde
entonces, forman parte de una única vida, la mía. El segundo aspecto
que cambió en estos años es más una cuestión de actitud. De tocar casi
exclusivamente mi música con un grupo bastante acotado de grandes músicos y
amigos, empiezo a ampliar mis colaboraciones con otros músicos, igualmente
admirables. El trío de reciente formación, Surel, Segal & Gubitsch, es
la prueba más palpable de este cambio operado en mí y que, indudablemente,
representa un gran enriquecimiento musical personal.
–Justamente,
¿por qué estos tres músicos?
–Con Vincent Segal nos conocemos desde hace más de veinte
años, hemos hecho grabaciones juntos y, de manera general, siempre nos tuvimos
al tanto de nuestros recorridos. El suyo es extraordinariamente polifacético.
Basta con decir que la primera vez que lo escuché fue tocando como pocos las “Suites
para chelo” de J. S. Bach, con mencionar dos de sus dúos famosos, Bumcello o el
que forma con Ballaké Sissoko y con citar apenas algunas de sus colaboraciones
con gente como Sting, Blackalicious, Naná Vasconcelos, Cesaria Evora,
Elvis Costello, Alexandre Desplat, Marianne Faithful, Keziah Jones, Lhasa, o
Tricky. Lo inusitado y apasionante es que a pesar de la gran variedad de
géneros que aborda, en ningún caso lo hace de manera turística, es un auténtico
especialista y gran conocedor de todas esas músicas. Con Sébastien
Surel nos conocimos en circunstancias imprevistas: de vacaciones, en medio de
un pueblito perdido en las montañas del centro-sur de Francia, escuché un
sonido maravilloso de violín tocando obras de Brahms, de Bartok y de Schönberg.
Por su lado, él me escuchaba a mí trabajando mi instrumento. El encuentro no
tardó y recién en ese momento supe que se trataba del violinista del Trio
Talweg, cuyas versiones de los tríos de Ravel, Chaikovski y Shostakóvich
me habían fascinado. Luego me enteré de que, además de su actividad de
concertista (la integral de los conciertos de Mozart, los de Mendelssohn,
Beethoven, Sibelius o Barber forman parte de su repertorio) y de camarísta,
también era un gran conocedor de música popular y que había tocado durante años
con músicos como Richard Galliano. Muy
poco tiempo más tarde me invitó a compartir un concierto en el Parc Floral con
su trío de cámara y yo le pedí que formase parte del grupo con el que
estrenamos la segunda parte de mi tríptico alrededor de la Odisea ,
intitulado "Todos los sueños, el sueño". Fue Sébastien el
iniciador de la idea del trío que formamos desde hace algo más de un año.
Cuando me lo sugirió, recuerdo haberle preguntado cuál era su idea, el concepto del proyecto. "El
sonido", me contestó. Fue suficiente para convencerme. ¿Acaso no hemos
empezado todos nosotros a hacer música fascinados por ése fenómeno básico, la
magia del sonido en sí? Esa misma noche llamó a Vincent, que estaba en Nueva
York, y él se sumó inmediatamente a la propuesta. A su regreso a París, cada
uno llevó un par de partituras, y cuando terminamos de tocar la primera,
levantamos los ojos de los atriles y nos miramos un par de segundos con una
sonrisa infantil dibujada en el rostro; una especie de alquimia difícilmente
explicable acababa de nacer. Precisamente, el sonido. Y, agregaría, la calidad
de escucha mutua.
–Cuando uno
los oye, pese a que la música nada tiene que ver, se imagina una especie de
Shakti, el grupo que tenía John McLaughlin, pero con los pies bien plantados en
la tradición occidental…
–La comparación con Shakti es extremadamente halagadora.
No obstante, creo que subsiste una diferencia fundamental: mientras lo esencial
en las músicas de McLaughlin es la improvisación, a imagen del jazz, donde
el tema puede casi ser pretexto, en el trío nuestro, la composición y el
trabajo sobre la forma de las piezas es una cuestión central. Y si bien los
episodios improvisados son frecuentes en nuestros temas, la idea es que formen
parte de una estructura, es decir, de una manera de contar una historia. En ese
sentido, como usted bien lo señala, estamos mucho más cerca de una concepción
occidental de la composición.
–La última
imagen que dejó en el público local lo asociaba a usted más con el tango que
con el rock u otros tipos de música. ¿Es realmente así?
–Con el tango ocurre algo que a esta altura me causa
francamente gracia. Desde el principio lo abordé con un desenfado respecto de
los códigos sacrosantos del género y, no obstante –o
quizás, gracias a ello–, hoy mi
nombre figura en enciclopedias tangueras. Lo cierto es que mi relación con el
tango es –siempre lo he dicho– conflictiva. Hay cosas en él que me gustan y otras que
detesto. Si mi música tiene cierto gustito porteño, es porque soy de aquí. Lo
extraño sería si tuviese un sonido de Detroit o de Pekín, donde nunca
viví. Ahora bien, ¿qué ocurriría con mis composiciones tangueras si
reemplazásemos el bandoneón por una batería, por ejemplo? ¿Seguirían siendo
percibidas como tango? No estoy del todo seguro. Las apariencias suelen ser engañosas
también en el mundo sonoro y, si fuese necesario –para mí no lo es– calificarme
de algo, yo pienso que rockero, aunque más no sea por una cuestión de actitud,
sigue siendo lo que más me corresponde. Me refiero a un rock en un sentido muy
amplio, un rock imaginario, un rock que, en lo que me concierne, se fue
sofisticando e incorporando colores de muchas otras paletas, y que se fue
enriqueciendo de maneras de pensar y elaborar el material musical
provenientes de la música llamada 'culta'. Pero inclusive si esas
transformaciones fueron impulsadas por mis diversas experiencias en otros
territorios, pienso que lo anacrónico y preocupante sería si yo siguiese
haciendo el mismo rock que hice 40 años atrás.
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